A Conversation between Ingegerd Råman and Teruhiro Yanagihara

In October 2023, VAGUE KOBE celebrated its grand opening with an inaugural exhibition featuring Ingegerd Råman, one of Sweden’s most esteemed designers. The current exhibition, Hemma, is Ingegerd’s second at VAGUE KOBE.

The choice to feature Ingegerd as the first exhibitor stemmed from a personal connection and deep respect for her design philosophy. Teruhiro Yanagihara, founder of VAGUE and Teruhiro Yanagihara Studio, recalls a pivotal moment in his twenties when a trip to Scandinavia left a lasting impression: a candlelit window showcasing beautiful vessels and furniture. This vision resonated deeply, echoing the wonder he felt upon visiting Ingegerd’s studio for the first time, where design and everyday life blended seamlessly.

Ingegerd also collaborated with Teruhiro Yanagihara Studio (TYS) on the 2016/ arita project, a global initiative celebrating Arita porcelain’s centuries-old heritage. This project united 16 renowned designers with Arita’s master craftspeople to create a groundbreaking collection of contemporary tableware. While this marked their first professional collaboration, Ingegerd and Teruhiro have shared a 20-year friendship.

Their commitment to design that enhance daily life is explored further through an engaging conversation, offering a deeper insight into their philosophies.

Teruhiro Yanagihara (TY): When I was in my twenties and aspiring to be a designer, I came across one of your books that deeply inspired me. Through an acquaintance, I was able to reach out to you, and to my surprise, you welcomed me warmly. The day I first visited you left a profound and lasting impression. Unlike the usual brief meetings, you spent an entire day with me — greeting me with candlelight, Japanese tea, and fresh bread from the island where your studio was located. You showed me how deeply design could connect to daily life.

This encounter fundamentally shaped my approach to design. When I began working on the 2016/ arita project to collaborate with designers globally, your name was the first that came to mind.

Ingegerd Råman (IR): For me, it’s always been so interesting to meet young people from other generations. I think this is sometimes missing in the design field — you often find yourself surrounded by people of the same age. But there’s so much knowledge to share, and young people approach things differently from how we did when we were young. There’s always something to learn.

I mainly work with clay and glass. Both materials share a brief moment of pliability, but designing them differs in process, technique, and mindset. With clay, especially in my personal collection, I’m hands-on from start to finish. For glass and industrial ceramics, I always begin by sketching on paper.

Making glass is also a completely different way of communicating. I always go to the glass factory with my drawings. I was part of a generation that had a close connection with the glass workers, something we don’t have as much in Sweden anymore. But I think it is about learning to work through others and aligning our efforts to move in the same direction. It is a collaborative effort.

But my designs share a common connection: they are functional and designed to be used every day. I decided long ago that I wouldn’t make anything I couldn’t imagine having and using in my own life. At my exhibitions, I often say that these objects only have half a life on their own — they truly come to life when people use them.

TY: When focusing solely on functionality, the result may be practical but often feels lacking. Objects exist within spaces and daily life, so something would feel missing if they were designed only for practical use. However, you go beyond functionality, carefully considering the presence of an object in a space and how it feels in use. While you avoid unnecessary ornamentation, your work retains a quiet beauty in its presence. They are not meticulously engineered but shaped through years of refinement. Whether it’s the feel of a coffee pot in your hand or the curve of its spout, everything is seamless and without waste.

During the 2016/ arita project, your design stood out for its seamless connection to daily life — they were both practical and profoundly inviting to use. What amazed me even more was that among the 16 global designers involved, you were the only one who used hand-drawn drawings. Your drawings accounted for everything: the slight distortions during firing, the comfort of a handle, and the ease of production. The craftsmen in Arita told me that your designs were so precise that no adjustments were needed — they were ready to be made as they were.

This precision reflects your deep history of working closely with artisans and your intimate understanding of materials. From the feel of a cup’s rim to its graceful presence, your design embodies a thoughtful connection to everyday life. It’s something I think about and appreciate every day.

IR: I’m still drawing with pen and pencil, and it’s not because I don’t believe in computers — I just never learned to use them. Once, I worked on a project with others and thought I should adapt quickly and do it in a more sensible way. This was in the early days of computers, but I kept going with my usual method in the end.

One of the interesting things about the 2016/ arita project was that we couldn’t choose the factory we worked with. When I arrived at the factory I was assigned, I immediately noticed their exceptional quality. The clay was fantastic, the glazes were incredible, and they were well-known for their intricate decorations. However, for me, this presented a challenge. Decorations are eye-catching, but they overshadow the material itself. All the possibilities of the design and the subtle qualities of the clay and glaze were lost in the focus on decoration.

On the last night of my first visit to Arita, the factory owner asked if I had any ideas about what I would like to do. I had spent many sleepless nights thinking about it, with so much running through my mind. Then I heard myself saying, ‘I think I want to make it naked.’ I wanted to show off the beauty of the clay and glaze without decoration. Their reactions were clear — they were a little shocked. Of course, I didn’t mean to reject decoration entirely. I explained that I wanted to focus on the raw materials first, but I would also love to work with decoration later. Just not this time.

TY: You don’t just follow design trends. You create objects for daily life — things you would use yourself and that others can cherish for years, not just admire as decoration. What stands out most when spending time with you is your wonderful sense of humour, which comes through in your work.

Your Arita pieces, for example, are beautiful in their simplicity, but there’s also a playful side. Your designs balance elegance with a touch of whimsy, showing how much you enjoy the process. This joy and humour, woven into both your work and your everyday conversations, is what inspires me the most.

IR: I think all designers get asked the question of what inspires them a few times. When I was very young, I remember trying to figure out what it really meant. But it became clear to me — my inspiration as a designer is life itself. It can come from a meeting like this, a colour, a sound, a smell, or anything at all. Everything I experience affects my design work, whether it’s sitting quietly and thinking, reading a book, or listening to music.

And I believe it’s not just life itself — it’s also curiosity. There’s always more to learn. I often ask myself, ‘Can I learn something from this? Can I learn from the people I’m working with on this project?’

Finally, I think everyone who works as a designer must hold on to joy. I often share this with the people who come to my studio, reminding them: don’t forget to embrace joy. Work isn’t always joyful, but it’s something we must remind ourselves of during hard times. Let’s try to find what is pleasant and meaningful.

TY: It has been a joy to speak with you today. I guess we didn’t really talk much about design, but instead, a lot about life — what it means to live and the significance of the people around us. Thank you again for your time.

2023年10月、VAGUE KOBEのグランドオープンを記念して開催された最初の展覧会では、スウェーデンを代表するデザイナー、インゲヤード・ローマン（Ingegerd Råman）の作品を展示しました。現在開催中の展覧会「Hemma」は、インゲヤードによるVAGUE KOBEでの2度目の展示となります。

最初の展覧会でインゲヤードを起用した背景には、彼女のデザインフィロソフィーへの深い敬意と、VAGUEおよびTeruhiro Yanagihara Studioを主宰する柳原照弘との個人的なつながりがあります。柳原は、20代の頃に北欧を訪れた際に目にした情景を振り返り、窓辺に揺れるキャンドルの灯りとともに、美しい器や家具が並ぶ空間に心を奪われたと言います。その体験は、初めてインゲヤードのアトリエを訪れたときの感動と重なり、日常生活とデザインが調和する彼女の姿勢への共感を深めるきっかけとなりました。

また、インゲヤードは、Teruhiro Yanagihara Studioが手がけた「2016/ arita japan」にも参加しています。有田焼の400年以上にわたる伝統技術と、世界で活躍する16人のデザイナーの感性を融合させたこのグローバルプロジェクトは、伝統と革新を持ちあわせた器のシリーズを生み出しています。

日常生活に寄り添うデザインを追求し続けてきた柳原とインゲヤード。二人の友情は20年以上にわたって続いていますが、彼らのフィロソフィーに迫るこのの対談では、深い洞察とデザインへの想いをお届けします。

柳原照弘（以下、柳原）：僕が20代の時にデザイナーを志していた頃、本で見たインゲヤードの作品がすごく素敵で、どうしても会いたいと思いました。知り合いを通じて、会えないかなと打診をしたら快諾してくれ、スウェーデンに向かいました。そのときが、一番最初の出会いです。スタジオにお邪魔すると、キャンドルを焚いて、日本茶を用意してくれていて。島だったんですけど、島の一番おいしいパンも用意してくれて、一日の時間をすごく使ってくれたんですね。この経験は私のデザイン観に大きな影響を与えてくれたんですが、「2016/ arita」を始めた時にやっぱり一緒に日常を作っていきたいと思って、真っ先にインゲヤードの名前が頭に浮かびました。

インゲヤード・ローマン（以下、インゲヤード）：デザインの分野では、世代を超えた交流がまだ十分ではないと感じています。若い世代のデザイナーと出会うことはとても貴重で、彼らの考え方やアプローチは、私が若い頃とは大きく異なるので、世代間で学び合えることは多いし、若い方々と話すことで、私自身も多くの刺激や学びを得ています。

私は主に陶器とガラスの作品を作っています。どちらも柔らかい状態から硬く仕上げていく素材ですが、デザインのプロセスや技術、そして考え方は大きく異なります。特に私の個人コレクションにおいては、陶器は最初から最後まで自分の手で仕上げます。一方、ガラスや工業用の陶器のプロダクトでは、まず紙にスケッチを描くところから始めます。

ガラスの制作は、まったく異なる形でのコミュニケーションを必要とします。ガラスの場合、私はいつも図面を工場まで持っていきます。私の世代はガラスの職人さんと密接な関係を築いてきましたが、現在のスウェーデンではそのような繋がりはもうあまり見られません。しかし、他の人々と協力し、お互いの努力を同じ方向に合わせていくことが重要だと思います。デザインは共同作業ですね。

私のデザインにおける大きな共通点は、ガラスでも陶器でも日常に寄り添い、実用的なものを作ることです。自分自身の生活で使いたいと思えないものは作らないと、ずっと前に決めました。展示会ではよく、「これらのオブジェは単体では半分の命しか持っていない」と話しますが、私の作品はユーザーが実際に使うことで、初めて完全な命が吹き込まれると考えています。

柳原：機能性だけを追求すると実用的にはなりますが、どこか物足りなさを感じます。物は空間や日常の中に存在するものなので、使うことだけを考えるとそうなってしまうのですが、インゲヤードのデザインは、機能性を超えて、空間における佇まいや使う際の心地よさまで丁寧に考え抜かれています。機能を考えると装飾を排除するというイメージがあるかもしれませんが、装飾ではなく、佇まいとしての美しさをデザインしていることが特徴だと感じます。手のひらに触れるコーヒーポットの感触や注ぎ口の曲線まで、どれも無駄がなく、長い年月をかけて磨き上げられた形ですね。

「2016/ arita」のときも、インゲヤードのデザインは日常に寄り添い、使いたくなるものでした。特に驚いたのは、16人の世界的なデザイナーの中で、インゲヤードだけが手描きのドローイングを使っていたことです。有田焼の職人さんたちから聞いた話ですが、そのドローイングは、焼成時の歪みや取っ手の持ちやすさ、さらには生産のしやすさまで全てが計算されていることを教えてくれました。ドローイングを見て、これはもう形を変える必要がないくらい完璧だと言ったんです。もちろんすごく検証はしたのですが、プロダクトをデザインするときはやはり作る上ではここを変えないと難しいだったりとか、作っていくと、できるけどコストに影響されるという部分がけっこうあるんですが、インゲヤードのドローイングは最初から、形を変えなくてもいいくらい完璧にできていました。この精度は、職人と肩を並べて作業を続けてきた経験の深さを物語っているんだと思いました。

あと、日常で飲むときの口当たりだったりとか、佇まいとかですね。日常に寄り添うというのを、常に意識してきたことを体感できるので、僕は毎日それを想像しながら楽しませてもらってます。

インゲヤード：私は今でもペンと鉛筆でスケッチを描いています。コンピューターを否定しているわけではありませんが、ただ使い方を学んだことがないんです。一度、他の人たちとプロジェクトを進める際に、「もっと合理的な方法で取り組むべきだ」と思ったことがあります。それはコンピューターが普及し始めた頃の話ですが、結局はいつもの手法で進めることになりました。

「2016/ arita」で興味深かった点のひとつは、工場を自分で選ぶことができなかったことです。割り当てられた工場に到着したとき、すぐにその卓越した技術に気づきました。粘土は素晴らしく、釉薬も非常に優れていて、精巧な装飾で有名な工場でした。しかし、これは私にとって挑戦でもありました。装飾は確かに目を引きますが、その結果、素材そのものが持つ可能性や、粘土や釉薬の繊細な魅力が隠れてしまうと感じました。

初めて有田を訪れた最後の夜、工場のオーナーから「何を作りたいか、アイデアはありますか？」と聞かれました。それまで私は何日も眠れないほど考えを巡らせていたのですが、そのとき自然と「素肌のままの状態にしたいと思います」と言っていました。装飾を施さず、粘土と釉薬の美しさをそのまま見せたいと思ったのです。彼らは明らかに驚いた反応をしました。もちろん、装飾そのものを完全に否定するつもりはありませんでした。ただ、まずは素材そのものに焦点を当てたいと説明しました。機会があったら、装飾も取り組んでみたいとは思いますが、そのときはそれをしなかったですね。

柳原：流行りのデザインだけではなくて、 自分が使うもの、日常に寄り添うもの、ずっと使い続けるものを常に考えていることが非常に伝わります。あと一緒にいていつも感じるのが、とてもユーモアがあるんですね。それがプロダクトのいろんなところに表れていて、例えばインゲヤードの有田焼は佇まいとして美しいですが、遊び心もあります。それが日常の会話の中でも、 常にそういうユーモアも含めて考えていることがわかるぐらい、 日常を楽しみながらデザインしているというところに一番感銘を受けています。

インゲヤード：デザイナーであれば、何度か「何にインスパイアされますか？」という質問を受けることがあるかと思います。私も若い頃、その意味を探ろうとしていたのを覚えています。しかし、はっきりとわかったのは、私のインスピレーションの源は「人生そのもの」であるということです。それは、このような会話であったり、色や音、香り、何かしらの出来事など、どんなものからでも生まれる可能性があります。私が体験するすべてのことが、静かに考える時間や本を読むこと、音楽を聴くことを含めて、デザインに影響を与えています。

そして、人生そのものだけではなく、「好奇心」も重要だと考えています。学ぶべきことは常にあり、「ここから何か学べるだろうか？」「このプロジェクトで一緒に働いている人たちから何か学べるだろうか？」と自問することが多いです。

最後に、デザイナーとして働くすべての人がjoy（喜び）を大切にすべきだと思っています。スタジオに来る人たちにもよく話すのですが、喜びを抱くことを忘れないでくださいと伝えます。仕事はいつも楽しいわけではありませんが、大変な時こそ喜びを見つけることを心がけるべきです。何が楽しくて意味があるのかを探し続けることが大切だと思います。

柳原：今日はインゲヤードの言葉一つひとつを聞けてすごく幸せだと思いました。デザインの話というより、むしろ人生について、人生とは何か、周りの人たちの存在とは何か、そういった深いテーマについて話すことができたかと思います。デザインを通してそうした大切なことを丁寧に伝えてくださったと、心から感じました。ありがとうございました。